在東方,日本人對先人承傳的工藝感到自豪;嚴謹又傳統的日本工藝,隨著現代生活的進步,對於生活美學的執著讓日本有更專精的技術和研發精神,投入傳統產業再造的新工藝,因而造就一批「工藝作家」:他們以設計的角度,結合傳統文化與技術的承傳,提供人們更優越的選項,創造出來的作品,更貼近現代生活美感,達到視覺的舒服性與情感的交流。

【文|姚遠、葉靜芳 圖片提供|Takumi Ota、Inga Powilleit】


日本著名的「有田燒」──它的根源來自日本南部九洲島佐賀縣的有田區,最早由「陶祖」韓國人李參平於1616年將製陶技術帶入日本,由於有田當地特殊地的黏土啟發了當時製陶工匠的靈感,因而發展出更成熟的製陶產業,有田也因而成為日本最早的製陶發源地。雖然歷經了四百多年,但絕不褪色、毫無妥協的傳統工藝精神,至今依然支撐著有田的人們。

今年米蘭家具展中,有一系列的作品獲得國際間熱烈的討論與極高的評價,由日本當紅的跨領域設計師柳原照弘(TeruhiroYanagihara)與佐賀縣有田區擁有百年歷史的有田燒品牌Momota–Touen合作,共同創造出延續擁有古老故事的嶄新陶瓷器品牌。柳原照弘談到「與擁有豐富技術經驗的有田工匠一同工作,彷彿也與古老的有田歷史對話,這對我而言,是一個全新也是很棒的經驗。」承繼了遠古的記憶,而被命名為「1616/Arita Japan」系列,是沿襲有田燒的傳統卻又嘗試出不同設計方法的傑作,也被2012年米蘭家具展評價為「最接近未來」的全新容器系列。

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對日本的傳統進行了全新的詮釋

擔任1616/Arita Japan創意總監的柳原照弘,一邊嘗試採用擁有陶瓷器可能性的新素材,一邊擔任與多種多樣的食生活相對應的「標準」設計,柳原照弘試圖以更新的概念,植入這百年的品牌精神裡,於是他找到了來自荷蘭的設計師Scholten&Baijings共同討論研發,經無數次的對談激發,拋出更多原創的點子。不過,如何才能不失日本人對陶感受的傳統?這是兩方花最多時間思考的議題,柳原照弘著重的是有田黏土的開發創新與實驗;而Scholten&Baijings則是強調應用藝術與日常使用顏色與型式的對話,兩方最後終於創作出全新的樣式與色調的1616/Arita Japan系列。


柳原照弘:更添生活風味的淺灰

關於1616/Arita Japan系列共分為兩條概念線。1616/TY「Standard」Design:Teruhiro Yanagihara,由柳原照弘進行創作,以四百年前做為工具而生成的容器,身為日本人的柳原照弘懷抱著對往昔深深的情感。在此概念線採用新的素材,但仍保有有田的傳統工匠技法,開發了能夠接受多種多樣食生活、擁有質樸形狀的陶瓷器系列。既有不限用途的柔韌形狀,也採用了非常高的度數和高密度的陶土製作容器,使得有田燒所擁有的「不華麗的美麗」被現代感的「更添生活風味的淺灰」所繼承,在形式上也更有現代感。


Scholten&Baijings:有田風土人文的柔美色調

另外一條概念線:1616/S&B「Colour Porcelain」Design:Scholten&Baijings由荷蘭設計師Scholten&Baijings研發設計,在設計之先,就進行了數據準確的鄉野調查,不但對有田燒進行廣闊範圍的研究,也對人們的使用態度和色彩喜好進行分析,因而創造此次被稱作「坡絲氨酸色彩」的系列。簡單來說,這其實是日本的傳統顏色,陶器上重覆著很淺的、虛幻的顏色層,也在陶瓷器上下的連貫性中進行著反覆的塗層。這一系列的食器不但擁有現代外型,也有實用的功能性,此外,更反映了有田當地風土人文所特有的柔美色調。

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LaVie:你認為什麼是1616/Arita Japan的作品風格?此外,為何選擇荷蘭設計師Scholten&Baijings為共同設計合作的對象?

柳原照弘:與其說完全地推出屬於自己個性的作品,不如說是完成一款符合當地風格的創作,因此,在一開始的企劃,我就打定主意,必須先從了解人開始,比如一起製造的當地製陶工匠的個性(特殊專長與技術),其家庭、歷史背景和經驗開始,從而引導到自己所需要的東西,在這個部分我做了相當的努力。

我想要做的,並非改變一般人對有田燒的概念,而是以「在哪裡都能使用」的觀點出發,我想創造的是傳統有田燒迄今為止所沒有的新品牌,因而設計了看似質樸,實則現代的1616/TY「Standard」Design,質樸最初看上去好像沒有個性似的,反過來正因為「質樸」而作為新的個性被使用者所捕捉。

並且,為了這種簡約,我也邀請了擅長此道的荷蘭設計師Scholten&Baijings為有田燒再設計和發表了1616/S&B「ColourPorcelain」Design系列,他們的特色在於研發屬於有田的色彩,像水彩畫似的藍色、黃色、粉紅色、硃砂紅等,這是透過歐洲人的眼光所看見的新日本,如此有層次的色彩也充分反應陶土與釉之間紋理及色調彼此完美結合。



LaVie:你創作的靈感從何而來呢?
柳原照弘:我十分喜歡進行調查研究製作的現場,特別是和一起製造的工匠進行對話,這是一種生活的趣味性也是靈感的來源,並不完全是為了工作。

LaVie:你認為什麼是日本的工藝精神?
柳原照弘:提供比對方所期盼,所要求的更高的品質,這便是日本工藝家的精神性。不管什麼細部,無論什麼強度,工藝家即使不被強調,也會沉醉其中,經常做出最高品質的東西。我想,是因為他們享受在其中吧!因此往往能達到比別人要求更高的水平。

LaVie:「Standard」Design作品是否使用了新的技術?
柳原照弘:技術經常在進化。但是我不依賴於技術。需要利用新技術時就利用,不需要的時候,就不使用。最主要的還是在於符合生活感這件事,我通常思考的是如何讓人們的生活更美好。

LaVie:哪位設計家或者藝術家給你留下深刻的影響呢?
柳原照弘:其實我欣賞相當多人,但非要說的話,是野口勇Isamu Noguchi(1904∼1988,日本藝術家,也是當代極具代表性的景觀設計師,其藝術生涯橫跨60年,他的雕塑及公共藝術作品常見於世界各地)。無論在工業設計和現代藝術上都受他的影響。當然,我也在所生所長的土地上,接受食文化和「日常」很大的影響。


LaVie:身為一個工藝作家及設計師這樣的角色,最棒之處為何?
柳原照弘:自己能作為自己的設計師,能參與製作日常的一部分,甚至能創造未來的日常,這是我認為最棒的地方!

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